25 de diciembre de 2014

Ordinary People.

Ayer jugábamos con mi sisterna Manucita, a rememorar películas que habíamos visto, en este caso me tocó contarle sobre ORDINARY PEOPLE. En Estados Unidos hubo una época (no sé si la tendrá todavía) en que las cintas eran temáticas: accidentes aéreos; deportistas que sufrían accidentes y quedaban ciegos, inválidos, sordos, mudos; musicales y catarsis familiares. Dentro de ésta última categoría llegó Ordinary People o "Gente como uno", que fue el título con el que yo la conocí. 
Por la data (1980), debo haberla visto en Guadalajara. Mi papá tenía esa característica tan notable, como buen cinefilo, que aguantaba de todo: dramas cebollas, acción, aventura, infantiles, terror, sangrientas, nunca adolescentes (fuera de Vaselina). Además siempre he pensado, que además del placer de llevarnos a ver películas (acompañarlo), aprovechaba de dejarnos bien clarito, algunos temas fundamentales para él. Y como era un viejo comunista, todo lo que fuera poner de manifiesto, lo mierdas, tarados, estúpidos, trancados, que eran los gringos, valía la pena.

Pero como digo, ante todo mi padre era un cinefilo de gran colmillo, por lo que ésta película, además de los premios que ganó en su estreno, cuenta con la confianza de mi papá, ya que la misma historia en otras manos y con otras intensiones podría haber sido un soberano churro, pero contaba con la dirección de Robert Redford y de Donald Shuterland, como su actor principal, que siempre será un gran actor.
Y así fue como hace un chorronal de años, me tocó verla junto a mi papá y esta tarde me la repetí junto a mi sisterna Manucita.

Y creo que pude hacerlo (verla de nuevo), justamente porque si bien recordaba perfectamente la trama (sinopsis) tenía varias nebulosas en cuanto a los actores adultos. Sabía que era de Robert Redford. Que fue la cinta que lanzó al estrellato y se estrelló Timothy Hutton (Conrad). Pero no me acordaba del rol del papá de Conrad (Hutton), menos del psicologo. Sí, en cambio, tenía en la memoria el rostro de la actriz que interpreta a la mamá (Mary Tyler Moore), digamoslo, un ícono de las cebollas cinematográficas norteamericanas, de los 80.

El tema es que aunque mi sisterna Manucita, manifestó que las movies de Redford, tenían un ritmo único y particular, dígase (para ella) lento, a mi me gustó. Realmente me gustó mucho. No sé si será la edad, la falta de padres o que realmente el rollo psicológico familiar me encanta o que la mano directora, intelectual, de denuncia de Redford, me encanta. 
El punto es que me sentí como en casa, mirando a través de la ventana como esta familia, aparentemente perfecta, aburrida y norteamericanamente perfecta, nos permitía descubrirle sus peros, yayitas, imperfecciones y juntos, ir desembrollando la madeja de nudos ciegos arrastrados por siempre jamás. 
Tan tarados, desde el punto de vista de la incapacidad demostrativa física, aunada a la taradez verbal, torpe, avestruz y todo lo que sea sacar al aire sus sentimientos, emociones. Mi sisterna Manucita, tiene la tesis que por eso son tan buenos para la cacha (cama, cojer, acostarse), porque en su tarades, la única posibilidad de abrirse, literalmente, es de piernas y de ahí según gustos: encima, por detrás, a la paraguaya, con otro, otra, etc.,
No sería nada de raro que tenga mucha razón.

Pero volviendo al tema cinefilo que nos convoca, hay que decir que ORDINARY PEOPLE, es una gran, gran, película. Muestra un perfil desconocido de Shuterland, que lo hemos visto de malo, asesino, perverso, mujeriego, pero no de hombre vulnerable, sensible, ojos aguados, sentimental. Timothy Hutton, nació para la lágrima batiente como decía mi papá, pero para este papel, digamos que su característica es explotada magistralmente por Redford, que después no haya podido hacer otra cosa, es otra cosa. También la actriz que interpreta a la mamá de Hutton, es muy buena, condensa a la perfección los defectos de los nacidos y criados en USA.
Nos preguntamos con Manucita, si independiente de estar basada en una novela, no habrá tenido Redford, algún tema personal, familiar, nacional, que tratar en esta movie ¿quién lo sabrá? A lo Paul Newman y "El color del dinero". 
Totalmente recomendada!!!

SINOPSIS:
Conrad acaba de salir del hospital después de haber intentado suicidarse a raíz de la muerte de su hermano en un accidente. Mantiene una relación muy tensa con su madre y vive atormentado por sentimientos de culpa. Aunque visita todas las semanas a un psiquiatra, no se siente a gusto hasta que conoce a una compañera del coro y empiezan a salir juntos.

CALIFICACION:
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FICHA TECNICA:
Título original: Ordinary People, Estados Unidos, 1980.
Título en español: Gente como uno.
Dirección: Robert Redford.
Guión: Alvin Sargent, basado en la novela de Judith Guest.
Fotografía: John Bailey
Género: Drama.
Reparto: Donald Sutherland, Mary Tyler Moore, Judd Hirsch, Timothy Hutton, M. Emmet Walsh, Elizabeht Mcgovern.
Premios: 1980: 4 Oscars: mejor pelicula, director, actor secundario (Hutton), guion adaptado.

18 de diciembre de 2014

IMPACTO: el otro golpe de la dictadura.


Pecaré de ignorante pero la verdad, de la verdad, que nunca supe la historia que al Bellas Artes, lo habían atacado con ametralladoras después del golpe militar de septiembre de 1973. Si, que sabía que los militares se caracterizaban por ser unas bestias, más ignorantes que yo, ladrones y por eso que en sus dictaduras, a la cultura la han intentado matar, por todos los medios. 
Por eso es que cuando me enteré que darían este documental y además buscando información al respecto, descubrí de qué se trataba la historia, supe que tenía que verla.

Por conversaciones que escuché cuando más joven, entre mis padres, abuelos y Nemesio Antúnez, sabía de las rapiñas que había sido objeto el Bellas Artes, después del golpe. 
Y el documental IMPACTO: EL OTRO GOLPE DE LA DICTADURA, narra los sucesos de una manera sublime. 
En la más desentrañando un secreto con resultado de muerte, que en este caso, el cuerpo del delito sería el Bellas Artes, contamos con un puñado de testigos claves:
- El fotografo Sergio Berthoud, que fue llamado por Antúnez, después de lo sucedido, para dejar constancia de lo sucedido dentro y fuera del museo.
- La vecina del barrio que tuvo a bien o a espanto, ser espectadora en primera fila, ya que el departamento de sus padres, a quien visitaba ese día, miraba justo frente a frente con el Palacio de Bellas Artes.
- Para terror, la experiencia en vivo, del nochero, la única persona al interior del edificio y que padeció el terror de los disparos indiscriminados. 

Curiosamente como después comentaríamos con el director, existe una extraña nebulosa entre los testigos, sobre el día exacto en el que ocurrieron los hechos, unos dicen el mismo martes 11 de septiembre, otros el sábado 15 y una nota que apareció en el diario La Tercera, con fecha 17 de septiembre de 1073, medidas un tanto curiosas para no dejar ninguna huella al respecto. 
Pero con lo que los militares enviados a dispararle al edificio, no contaban es con esas fotos, que Berthoud, tuvo a bien guardar, casi olvidar. Ocho fotografías claves que cuentan con detalle lo ocurrido. 
Para contar la historia pero que no todo fuera discurso, palabras, palabras, palabras, el director se valió del comic, un recurso que a mi al menos, me pareció de lo más original y entretenido, pese a que hubo un sabelotodo, en la sala, que no tenía la misma opinión. 

En materia de suma de elementos favorables para esta investigación, le daremos gracias a la historia, la suerte o a quien usted quiera, porque a diferencia de el Palacio de gobierno conocido como La Moneda, donde los agujeros huellas del bombardeo, fueron finamente borrados con el paso de los gobiernos de la Concertación, en el Bellas Artes, permanecen intactos. Tanto es así que gracias al estudio de cierta bala que la vecina, guardó, una perita de la PDI, estudiando el edificio y haciendo uso de sus conocimientos, pudo determinar desde qué altura y en qué ubicación estaban los que atacaban al éste edificio de extrema peligrosidad.

Final de cuentas, creo que lo híper meritorio que tiene este documental, además de ser bueno, es contarnos un suceso que quizás pocos sabíamos. Aquello tan terrible que ocurre en la historia de los países que fuimos sometidos por dictaduras, que intentan de todas las formas posibles, apagar la luz de la memoria, de los recuerdos y que confabulados con la prensa, la tarea se les facilita. Pero como diría algún entendido en proverbios; Todo lo hecho bueno o malo se devuelve y la luz llegara a puerto. En este caso la luz serían las fotografías de Berthoud, que cayeron en las manos del curador, Ramón Castillo, a quien se le ocurrió que siguiendo una pista tras otra, se podría contar una historia e impedir así que muera la memoria histórica y patrimonial de la nación. Si les interesa ir a ver el documental, les cuento que lo estarán presentando en el Palacio de Bellas Artes, hasta el 25 de enero.
Totalmente recomendada!!  



SINOPSIS:
Disparos de ametralladoras provenientes de tanques y tanquetas que por razones aún no aclaradas comenzaron a percutir contra el edificio del Museo Nacional de Bellas Artes y su patrimonio, todo ante la mirada atónita de vecinos y testigos, mientras en su interior permanecía un aterrorizado vigilante. A través de testimonios como el de una vecina, un mayordomo, el nochero del museo, más la visión de especialistas del mundo del arte y peritos policiales, la cinta rehace los acontecimientos de una historia inédita. Fueron clave ocho fotografías en blanco y negro que en su minuto tomó Sergio Berthoud por encargo del director del museo en aquel entonces, Nemesio Antúnez: las detonantes de la historia.

CALIFICACION:
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FICHA TECNICA:
Título original: Impacto: el otro golpe de la dictadura, Chile, 2014.
Dirección: Manuel Tello
Guión: Manuel Tello, Alejandra Carmona, Ramón Castillo.
Montaje: Christian López.
Música: Miguel Miranda.
Género: Documental.

27 de noviembre de 2014

Remembering the Artist: Robert De Niro Sr




Conocido o por conocer, todos tenemos un papá. 
Gracias a él y a la mamá es que nos podemos considerar hijos.
Pero les apuesto lo que quieran, que muy pocos sabíamos que el actor norteamericano-italiano, Robert De Niro, tenía uno, que fue un pintor conocido en Estados Unidos. 
Por mi parte, me enteré ayer, mientras veía, gracias a mi sisterna Manucita, REMEMBERING THE ARTIST: ROBERT DE NIRO SIR
Confieso que tenía la fantasía que De Niro (actor), había llegado a USA casi que a nado, junto a su familia, todos de orígen italiano y de estrato social muy modesto, o sea que El Padrino, era el reflejo de su vida. Y resulta que si bien de origen italiano, tanto el papá (artista), como el hijo (actor), nacieron en Estados Unidos. Es el abuelo quien llegó directamente de Italia a vivir a Estados Unidos, logrando convertirse en una familia bastante acomodada. Y fue ese defecto denominado "artista" el que hizo que el actor naciera en un hogar, no tan acomodado económicamente. 

Pero el charm, sumado a una belleza sin igual, con que contaba el artista Robert De Niro, ya estaban en marcha y sumado a las virtudes artísticas que logró desarrollar, aunque no le permitieran brillar junto a las estrellas, no se rindió nunca y fue siempre única, exclusiva y maravillosamente: pintor.
En este hermoso documental, el hijo del artista, el actor Robert De Niro, va relatando la vida del padre, del marido, solitario, sensible, homosexual, así como también los amigos que lo rodearon, conocieron sus obras, admiraron su trabajo, personalidad y estuvieron a su lado en las muy malas, las mas o menos, hasta el final.

Lamentablemente el artista Robert de Niro, no contó con la gracia de los seudo conocedores de arte y no brilló en el firmamento de los pintores. Todos opinaban que era muy bueno, pero no tranzaba, era un hombre profundamente sensible, susceptible, que si veía o sentía que algo no funcionaba, olía traición a su alrededor, se alejaba, aconchaba, escondía. Era realmente un artista. A nosotras nos gustaron mucho los cuadros que en el documental muestran, estilo figurativo y no tanto y naif, mucho color, formas divertidas, mujeres y sus formas hermosas, flores, espacios libres. 
La trama del documental, aunque con tonos biográficos, tiene un halo triste, porque el padre artista no logró el sueño de la fama, el hijo tenía temas pendientes con un papá que no se comportó como tal todo el tiempo, pese a ello, mantiene intacto el taller de trabajo del padre, sus cuadros y ahora, rinde homenaje con este trabajo audiovisual. 

Esa tristeza nata e inevitable, de los hijos cuando no tenemos más a nuestros padres y sentimos que quizás no hicimos todo lo que estaba en nuestras manos, para hacerlos feliz. Quizás este reconocimiento y admiración, le sirva al actor para disculpar su conciencia, que en realidad no debería sentirse así, pero lo dice alguien que sufre lo mismo con respecto a sus progenitores, asi que no sé si seré de fiar. 
Finalmente un documental muy emotivo, hermoso, triste, que deja un saborcito medio amargo, medio lastimero, pero que la belleza de los cuadros, sus colores, las historias buenas mientras las hubo, alegran un tanto el firmamento.
Totalmente recomendado!!


SINOPSIS:
En 1945, la obra de Robert de Niro Sr. fue incluida en el Salón de Otoño de la galería Art of This Century de Peggy Guggenheim junto con la de Jackson Pollock y Mark Rothko. Al año siguiente, tuvo su primera exposición individual en la galería de Guggenheim, todo un honor y una muestra de prestigio para el joven pintor figurativo. Pero, aunque De Niro siguió exponiendo en la reputada galería Charles Egan durante la década de 1950, su carrera comenzó a quedarse al margen del foco de la crítica y tuvo que luchar por el reconocimiento en las décadas siguientes.
En unos años en los que los gustos artísticos estadounidenses cambiaban drásticamente, su obra empezó a no encajar en ninguno de los géneros en boga y quedó oscurecida por cada una de las nuevas vanguardias. 
CALIFICACION:
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FICHA TECNICA:
Título original: Remembering the Artist: Robert De Niro Sr., Estados Unidos, 2013
Dirección: Perri Peltz, Geete Gandbhir
Género: Documental
Duración: 39 minutos

24 de noviembre de 2014

Ríos de luz.



De los documentales que me gustan, están los que cuentan historias de personas reales, ojalá vivas. Así fue como gracias a mi sisterna Manucita, anoche vi RIOS DE LUZ, la historia de un grande del lente, la cámara y la captura de la luz para las imágenes cinematográficas: Héctor Ríos. De hecho, en medio de los nubarrones de la ingorancia, recordé que la primera persona que me habló de Héctor Ríos, fue un amigo peruano que vino a Chile para estudiar al lado suyo, porque quería ser "director de fotografía". Como en temas de este país tengo muchos nubarrones, medio autoimpuestos, medio autocumplidos y absolutamente por un rechazo parido al reniego de los orígenes. Pero eso es tema de diván y aqui estamos hablando de cine.

Asunto es que entre los nubarrones o lagunas mentales, siempre tuve una confusión que no quise aclarar, sobre quién era Héctor Ríos. Como me gusta el cine pero no soy una sabionda técnica de sus avatares, cuando este amigo peruano me contaba de lo máximo que fue estudiar con Ríos yo decía ¿qué tanto sería eso? Muchísimo. Muchísimo realmente porque ahora sé y no olvidaré más, que el director de fotografía es el que nos permite ver la película a contar. En combinación con el director, que es el propietario de la idea, que se plasmó en un guión, trabajan idea e imagen y finalmente es el magistral trabajo, creatividad, juegos de luz, ambientación, que da el director de fotografía, para que uno en calidad de espectador termine disfrutando aquello que entra por los ojos y se aloja en todos los sentidos.

Héctor Ríos, es un grande.
Una persona hermosa, sensible, que capta la crudeza de la pobreza, de la belleza de las cosas, las capta y las plasma pero no las roba, ni lucra con ellas. Héctor Ríos, una persona excepcional que se emociona con lo que a través de su lente observa y captura y que debe dejar de hablar porque las ganas de llorar, son más fuertes. Un hermoso hombre. Una persona especial.
En este documental de Maga Meneses y con un tiempo (duración) que a mi se me antojo corto, nos va relatando a través de conversaciones, quién es Héctor Ríos, de dónde salió, cómo llegó a ser director de fotografía, director de sus propios documentales. Junto a su mujer Magie, nos va mostrando fotos y más fotos de las cintas en las que participó, las que hizo en Italia cuando patudamente decidió viajar con una mano delante y la otra detrás, sin dinero, ni nada porque quería ser actor. Y terminó siendo director de fotografía, estudiando en una escuela de Roma, aprendiendo, llenándose de conocimientos, cuando por continuar el camino del origen su rumbo no tendría jamás, ni soñando un viaje a Italia. Estudiante de electricidad en la Universidad Técnica del Estado, En Santiago, ingresó a un grupo de teatro y el mundo cambió. Sumado a que alguien en Roma vio en él eso que lo convertiría en esa persona tan especial, que le permitió estudiar cine sin pagar, esas humanidades que ya no se estilan en estos tiempos.

Una tremenda trayectoria.
Un hombre de izquierda que se emociona con lo que sucede en su país en los 60 y 70, que participa de la Unidad Popular, junto al Presidente Salvador Allende, que trabaja en "El Chacal de Nahueltoro" de Litin; "La colonia penal"  y "El infierno" de Raúl Ruiz; "El enemigo principal" de Jorge Sanjinés, cineasta boliviano; "Venceremos, Jose Duvauchelle y Francisco Coloane", de su autoría; La Frontera (o tontera) de Ricardo Larraín. 
Digamos, un hombre que ha dejado huella e historia. Que viaja al exilio en 1974 con rumbo a Venezuela donde permanece 10 años para retornar el ´83, dedicarse a la publicidad hasta que surgen algunos proyectos cinematográficos. Actualmente, se desempeña como profesor de "dirección en fotografia" en la DoucValparaíso, una joya, un honor, que esos chicos realmente puedan trabajar con un "maestro" y que éste en su inmensa generosidad, les entregue sus conocimientos que obviamente, son muchos.
De los aciertos que tiene "Hora D realizadores" en TVN, los viernes a la hora del queso, solo apto para borrachos que vuelven del carrete desvelados, pero por suerte, tengo una sisterna, que graba todo y además lo comparte.
Totalmente recomendada!!

SINOPSIS:
Recuerdos, imágenes, anécdotas y emociones van surgiendo del relato que Héctor Ríos hace de su vida y de su amor por el cine. Desde la fascinación de niño con la imagen en movimiento hasta su encuentro casual con la luz como medio de expresión artística. Su oficio, su necesidad de entrar en el sueño de otros para narrar historias posibles, para mostrar realidades … la estética y la ética de su creación a lo largo de años de experiencia, y la docencia como eje central de su trayectoria hasta el día de hoy. Héctor Ríos llegó a ser el director de fotografía y camarográfo más relevante del cine chileno y ha sido el formador de muchas generaciones de cineastas. En 2007 recibió el premio Pedro Sienna a la trayectoria.

CALIFICACION:
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FICHA TECNICA:
Titulo original: Ríos de luz, Chile, 2011.
Dirección: Maga Meneses.
Producción: Jorge Aliaga.
Gémero: Documental
Música: Jorge Aliaga
Duración: 65 minutos

16 de noviembre de 2014

Les cousins.


Me gustaría tanto, tantísimo, ver todas las películas de mis directores consentidos. Ir descubriendo sus cambios, avances, diferencias con un film de una década o entre dos que tienen apenas unos años entre si, revisar como van variando sus actores "fetiches", las historias, guiones, tramas. Es por eso que cuando vi el anuncio de LES COUSINS, de Claude Chabrol, dentro de un curioso ciclo de películas "atesoradas" en su formato original por Henri Langlois, supe que tenía que ir a verla.

Para colmo de felicidades extremas, la poesía de ver una cinta de mi amado Chabrol, es que al entrar en la sala, la pantalla avisaba a los espectadores, que lo que verían podría tener fallas de sonido, imagen y textos, ya que los rollos eran originalmente de 16 o 35 mm y eso sumado a la data de cada una de las cintas y el espectador (ignorante) mal acostumbrado a que todo tiene que ser grande, en HD, 3D, con un audio que parece que estás ahí y una imagen con la misma sensación, más valía advertir para que no fueran a pegar un grito en el cielo. Está de más contar, la anécdota curiosa de cómo la sala (que no es demasiado grande) fue vaciándose, hasta que quedamos los que realmente "apreciamos" y valoramos el cine, en sí mismo y que además ensoñamos retroceder en el tiempo y sentir que estamos en la avant premier, de LES COUSINS, nada menos que la segunda película de Claude Chabrol. Para mi, fue una poesía en movimiento. Rememoré aquellos viejos tiempos en Guadalajara, cuando mi papá (cinéfilo de colmillo largo) nos llevaba a comer pizzas a Papa Bambino Pizza, donde proyectaban películas del Gordo y el Flaco y de Chaplin y como audio, la poética música que salía de un piano. Después vendrían las miles de cintas, que veríamos en los cines de barrio, desde Lo que el viento se llevó, Rebeca, casi todo Hitchcock, todo Sherley Temple, casi todas las de Laurence Oliver, es decir, todas las cintas en blanco y negro, que tantas nostalgias le producían a mi papá.

Entrando en materia, la historia ya que es la segunda cinta (1959) de Chabrol, tiene mucho de su tipo de cine, si vamos hablar de un modelo en particular: jugar con las armas, un poco de violencia, el sexo no pornográfico pero siempre presente, los y las desfachatados, las y los cínicos, alguien que sufre por amor, amores incompletos, tragedias que pintan como tal pero que suceden de manera tan particular, que uno no sabe si son "ironías" de la vida o la vida misma.
La trama es la siguiente, Charles viaja de provincia a París para estudiar en la universidad, se alojará en casa de su primo "citadino" Paul, quien vive en un confortable departamento, pagado por sus padres. El departamento es hermoso, amplio y cómodo. De a poco, Charles, irá saboreando la alocada vida de Paul, la encontrará maravillosa, pero él ha viajado para estudiar, ninguna otra cosa más, no debe fallarle a su mamá. Hasta que en su camino, se cruza Florencia, una chica también alocada y las cosas comenzarán a complicarse.

El desenlace, que no lo contaré es al más puro estilo Chabrol: impactante, inimaginable, sorprendente, donde uno realmente no sabe si el director te estaba tomando el pelo o de verdad la película se acabó y así quedó. Me gustó mucho, muchísimo. Ojalá que pronto tenga la oportunidad de ver la primera y del total de su filmografía, todas las que me falten por ver. Como datos curiosos, hay que destacar que el actor que personifica a Charles (Gérard Blain) también las hizo como director y murió a los 70 años, estoy casi segura que no salió en ninguna otra de Chabrol, es demasiado guapo y por lo general la belleza del elenco de éste cineasta francés, radica más bien en el género femenino. Que por cierto la actriz que interpreta a Florencia  (Juliette Mayniel), después de esta cinta, contrajo nauseas (nupcias) con Chabrol y fue durante muchos años su musa y mujer. Y en el caso de Paul (Jean-Claude Brialy) ése si que ha sido, casi hasta la última cinta de Claude, su actor predilecto.
Totalmente recomendada!!

SINOPSIS:
Charles es un joven provínciano que llega a París para estudiar derecho. Se hospeda con su primo Paul, que tiene piso propio en la ciudad, lo que le permitirá conocerlo y comprobar hasta qué punto sus cáracteres son antagónicos, pues mientras él es serio y responsable, Paul vive únicamente para disfrutar intensamente del presente sin importarle el mañana. Durante su estancia conoce a Florence, una de las amiguitas de Paul.

CALIFICACION:
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FICHA TECNICA:
Título original: Les cousins, Francia, 1959
Título en español: Los primos.
Director: Claude Chabrol
Guión: Claude Chabrol, Paul Gégauff
Música: Paul Misraki
Fotografía:  Henri Decaé (B&W)
Género: Drama
Reparto: Gérard Blain, Jean-Claude Brialy, Juliette Mayniel, Guy Decomble, Geneviéve Cluny, Michéle Méritz, Corrado Guarduccci, Stéphane Audran.
Premio:  1959 Festival de Berlín, Oso de Oro.

31 de octubre de 2014

When Brendan Met Trudy

Esas cosas buenas que ocurren cuando uno no tiene nada que hacer más que manejar el zapping y sobre todo cuando decides pasar por el canal Europa Europa (401 Vtr) para ver qué hay de bueno amigo y encuentras sorpresas tan agradables. 
El cine europeo merece medallas, estrellas, condecoraciones, el inglés muchas, muchas más. Tanto cine del Reino Unido que uno ha tenido el placer de espectar, así como momentos entretenidos, interesantes, terribles, de miedo, cómicos, que ha podido disfrutar. 

Así nos pasó anoche a mi sisterna Manucita y a mi. 
De pronto me tocaba manejar el control y pensé ¿Qué estarán dando de bueno en Europa Europa? Pongo el canal y daban WHEN BRENDAN MET TRUDY
Una película sencilla, rara, divertida, disparatada, increíble, simpatiquisima, buenos actores, a mi sisterna le encanto Brendan, lo encontró guapo, no era de mi total gusto pero al menos era muy simpático. Trudy encantadora, se las traía, las llevaba, era la que le ponía la sustancia al asunto, mientras Brendan y el director de la cinta, nos ponían a prueba en un festival de trivia acerca de ¿cuanto sabes de cine? ¿eres realmente capaz de acertar el titulo de una cinta, con tan solo una escena?

Brendan, es un profesor de escuela para hombres, una hermosa escuela, una gran y majestuosa escuela, que hasta capilla tiene, por supuesto que también áreas verdes, una gran biblioteca, otra gran sala de tecnología y las aulas de clases, nada despreciables. Pero Brendan está un tanto aburrido de su existencia o nunca se ha cuestionado si pudiera hacer con ella algo mejor. Hasta que conoce a Trudy en un bar y la chispa que le faltaba entra como cohete. Sólo que el chisporroteo de Trudy está basado en buena parte en su audacia que se traduce en la habilidad extrema en el arte del "hurto". Por lo que deberá aceptar esta situación, si realmente le interesa la chica y después de eso enfrentarse a una serie de retos. Primero, deberá hacer algo sublime, significativo, que llame la atención de ella algo verdaderamente creativo; segundo, que ello ayude en la conquista y tercero, llegar a convertirse casi, en el mejor ladrón.

Y en la trivia cinematográfica, si no se dio cuenta, comienza desde el título de la película.
Lo mejor es que como si Inglaterra, Reino Unido, estuvieran en América Latina, especifica y egocéntricamente en Chile, el director de la escuela donde da clases Brendan, se transformará en un defensor de la "educación para todos" que ya se lo quisiera cualquier escuela chilena. Además de definirse no tan solo como un fans de Iggy Pop, sino también en vocalista de una banda aún más sobresaliente que la del cantante. De esas historias raras, descabelladas, surrealistas, que pueden atrapar, matarte de la risa, brindarte un momento más que agradable.
Totalmente recomendada!!


SINOPSIS:
Brendan es maestro y un solitario al que le encantan la música y el cine. Una noche, en la que por casualidad acude a un pub, conoce a Trudy, una maestra de Montessori. Empiezan a verse: Brendan le lleva a ver sus películas favoritas y ella lo lleva a fiestas, al super; en definitiva, a conocer gente. Por primera vez en su vida de adulto se está divirtiendo. Pero Brendan descubre que la misteriosa vida nocturna de Trudy en realidad se debe a que no es una maestra de Montessori sino una ladrona, y aunque al principio reacciona horrorizado, se va viendo envuelto en las actividades delictivas de Trudy al tiempo que descubre placeres insospechados en su relación con ella. 

CALIFICACION:
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FICHA TECNICA:
Título original: When Brendan Met Trudy, 2000, Reino Unido
Dirección: Kleron J. Walsh
Guión: Roddy Doyle
Música: Richard Hartley
Fotografía: Ashley Rowe
Duración: 94 minutos
Género Comedia, Romance
Reparto: Peter McDonald, Flora Montgomery, Marie Mullen, Pauline McLynn, Don Wycherley, Maynard Eziashi, Eileen Walsh, Barry Cassin.

5 de octubre de 2014

Las Pócimas del Palmar.

La verdad sea dicha llegué a creerme un poquito más que la muerte, cuando ayer recibí un mensaje por Google+ de Rafael Rebolla Corona, invitándome a admirar su documental LAS POCIMAS DEL PALMAR  y además, permitirme compartirlo.

LAS POCIMAS DEL PALMAR, es de ese tipo de documentales que me encantan, los de historias sencillas, como dice en la sinopsis "crónica", que nunca había pensado que podría ser tal cual. Contar visualmente una historia sobre algo que parece pequeño, insignificante y que de supuesta pequeñes en más, va entrelazando la historia de un pueblo, de un país, de las personas, de nosotros mismos. A mi gusto, estas son las narraciones que más aprecio. Claro que además tiene el ingrediente no menor, que cuenta sobre algo que ocurre en mi amado México, que es el largo trabajo artesanal para conseguir el mezcal, aquella bebida tan mexicana, tan especial y que tan mareado te puede dejar. 

Bajo la dirección de Rafael Rebolla Corona, ocurre que además de convertirse en una interesante crónica sobre el trabajo para conseguir el mezcal, las tonalidades de colores chillones, blancos negros y la imagen normal, con las que juguetea le dan un ritmo lúdico, entretenido, más interesante todavía. 
Había momentos en que pensaba en el trabajazo que significa conseguir el mezcal, desde cortar el maguey, desconcharle el corazón (piña), partirla a la mitad, ponerlo a ahumar en ese agujero natural con troncos de árboles, maleza, hojas de palma, piedras, como quien estuviera preparando una barbacoa o un curanto (en Chiloé), para después taparlo con tierra y tras las horas requeridas, sacar capa tras capa hasta llegar a las piñas del maguey, echarlo a destilar o cocinar pa que suelte todo su jugo. Un tareon pues. 
Y en esa simpleza y cotideanidad que uno cree que todos esos jóvenes están siendo explotados, que seguramente si porque les deben pagar una mierda, pero ellos cuando la cámara les consulta por qué lo hacen, muy relajados y contentos contestan "porque venimos aqui con la banda y lo pasamos chido".

Realmente como se lo comenté al propio Rafael, me sentí honrada de verlo y fue realmente un gusto, en algún momento dije que era poético, pero después me di cuenta que ese adjetivo dejaba corto y cursi, lo recientemente visto. Creo más bien que es interesante, que te deja pensando, pensando en esa vida en contacto con la naturaleza, del trabajo arduo, de temporadas, pero que en compañia de tus amigos, lo pasas chido. Lo dejé compartido en mi facebook, pero también con el título pueden buscarlo en youtube, donde el propio director lo subió. No dejen de verlo, es realmente interesante, entretenido, diferente, especial y a más de alguno, le despertarán las ganas de hacer un brindis. Y como estamos ante un trabajo audiovisual, artesanal, no existen afiches, posters, imágenes, más que esta que encontré del director que habla por si sola, de la simpatía sin igual de Rafael Rebolla Corona. Salute. 
Totalmente recomendado!!!

SINOPSIS:
En el municipio de Malinalco, Estado de México, existe una comunidad El Palmar de Guadalupe, donde muchos de los pobladores son productores de mezcal y lo producen de manera muy artesanal. Esta es la crónica de una hornada para obtener 800 litros de mezcla. Estos productores pertenecen a una región que comprende parte del Estado de Morelos y parte del Estado de México, donde hay mas de 50 productores de mezcal, que conciben su quehacer no solo como un negocio, sino como una forma de ver la vida. 

CALIFICACION:
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FICHA TECNICA:
Título original: Las pócimas del palmar, Mexico, 2013
Dirección: Rafael Rebollar Corona.
Duración: 27 minutos.
Género: Documental.

21 de septiembre de 2014

Leap Year.

Para los días neutros, nada mejor que películas bobonas de amor. Más aún si el chico protagonista es tan guapo, tan masculino, aunque sea mal actor o al menos, no le de más que para este tipo de cintas. Ya que tiempo atrás, hace unos meses atrás, lo vi en una donde hacía de "malo" y huy había que estar recordándoselo a cada rato. Porque a él se le iba todo en poner su cara de nada. También confesaré que éste chico me gusta porque tiene un aire, leve aire, a mi querido primo Andrés, que lamentablemente ya no está entre nosotros y como las nostalgias están ahí para atraparlas. 
LEAP YEAR, no tiene ninguna pretención, más que ser una película romántica, con mucha comedia porque alguien les ha dicho que cuando no te sale actuar, lo mejor es aquello que se ve como lo más tonto, ridiculo, absurdo posible, esta muy bien visto y no faltara el imbécil que se ría (Uy yo también me reí un par de veces).

Sin demasiadas ningunas pretensiones y mostrando mucho, muchisimo, mucho a Irlanda, transcurre esta historia. Una chica desorientada, bastante torpe o tonta, dependiendo la maldad o falta de filtro que tenga el espectador, debe llegar a Dublín para encontrarse con su novio, quien está realizando el negocio de la vida, que los catapultará a la fama, fortuna y hacer de ellos dos una mejor pareja. Entonces con la torpeza que la caracteriza, de mete pata en mete hoyo, se cruza en su camino, Declan, este guapetón inglés o irlandés, con el acento perfecto para darle un cursito a Ana, que es norteamericana y habla como tal. Lentamente y sin buscarlo mucho, él se ira convirtiendo en su ángel de la guarda y ella sin buscarlo tampoco, irá enamorándose de este chico flemático (debe ser inglés) aunque quizás su flematiz se deba al problemita aquel que les hablé que no es buen actor, que le cuesta demostrar, que le dijeron que mejor marcara mucho su capacidad inexpresiva, silenciosa, de manos dentro de los bolsillos del abrigo (de marinero) , que asi se veria  (según él) más interesante, más apuesto. Y bueno, también le habrán dicho de chico, que cuando no tienes nada qué decir, menos cómo hacerlo, siempre es mejor guardar silencio.

Pero como es una cinta romántica, absurda, cómica. Nacerá el amor, descubrirán que la torpe con el flemático mal actor, son el uno para la otra y la otra para el uno y cuando ella se reencuentre con su novio Jimmy y compare......... comenzará lo bueno.
Recomendada para días flemáticos!!


SINOPSIS:
Una joven enamorada va a Dublin a pedirle a su novio que se case con ella. Lo hara siguiendo una tradicion irlandesa, segun la cual solo un dia cada cuatro años, el 29 de febrero, una mujer puede proponer matrimonio a su novio con la certeza que no sera rechazada. Sin embargo, durante el viaje, una circunstancia la obligara a pedir ayuda a un rudo mesonero irlandes, con que tendra que caminar hasta la misma ciudad de Dublin. 

CALIFICACION:
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FICHA TECNICA:
Titulo original: Leap Year, Estados Unidos, 2010.
Direccion: Anand Tucker.
Guion: Deborah Kaplan, Harry Elfont.
Musica: Randy Edelman.
Fotografia: Newton Thomas Sigel.
Genero: Romance, comedia.
Duracion: 102 minutos
Reparto: Amy Adams, Matthew Goode, John Lithgow, Adam Scott, Kaltlin Olson, Peter O´Meara. 

7 de septiembre de 2014

Relatos Salvajes.

La polémica se tomó las salas de cine de manos de RELATOS SALVAJES, la última producción cinematográfica argentina. Cada vez estoy más convencida que los que editan las sinopsis deberían darles cadena perpetúa, son las personas más traicioneras y mentirosas del mundo. Tienen el poder de contar una historia pésima como si fuera la mejor y una obra de arte, como la perdida absoluta de glamour. En esta ocasión, sólo de fiarme por ella, no la habría visto porque mostraba algo muy insulso y poco interesante. 

Y de hecho, la cinta es ultra violenta.
Personalmente confieso que me gustó, a diferencia de mis acompañantes. Será que soy del porcentaje de la población dañada por los Estados de emergencia y quedé marcando ocupado, loca, demente o será también, que en alguna parte no demasiado honda de mi ser, tengo un vínculo estrecho con el cliché aquel de "la venganza es un plato que se sirve frío" y el deleite que éste produce, quizás quiero probarlo. 
El asunto es que Damián Szifrón, su director, nos cuenta en 6 episodios, historias de seres humanos, que llevados a sus limites, demuestran lo loca o mal que está la sociedad, en este caso bonaerense, a mi parecer, el mundo entero y lo que puede pasar en tales circunstancias.
La primera historia liderada por Darío Grandinetti, cuenta la historia de un grupo de personas que viajan en avión a un sitio en común y que tras conversar unos con otros, descubren que conocen todos a un mismo personaje, el cual nunca vemos pero que la azafata comunica es, el piloto del avión.
Segunda historia, Rita Cortese y Julieta Zylberberg, atienden un café en medio de la nada y la carretera, una noche llega un señor a comer y resulta ser el eje de la tragedia familiar, que arrastra el personaje de Julieta y Rita, le ofrece dar curso a una dulce venganza.
Tercera historia protagonizada por Leonardo Sbaraglia, la cual confieso es de las historias que menos me gustó. Porque si bien quiero a Leo como el mejor amigo de mis viejos años de adolescencia, hay que confesar que es un encanto, un lindo precioso, pero bien mal actor. Y en esta historia se necesitaba un "concheto, cuico" que demostrara no solo con gestos faciales que "no te sientas tan bacán, huevón, boludo, porque la suerte puede cambiar". También es la historia más exageradamente violenta, tanto que ralla en lo absurdo, ridiculo y todo el tiempo produjo un deja vú, con "Cabo de Miedo", de las peorcitas de Martin Scorsese, con ese toque largo, tedioso y absurdo tipo Fredy Krugger, donde los malos en vez de morir se tientan una y otra vez, creativamente, para hacer una maldad tras otra.
Cuatro y coincido con mi sisterna Manucita, una de las mejores. Protagonizada por Ricardo Darín, que es un gran actor y aunque la historia es muy buena, me recordó todo el rato a "Un día de furia" de Joel Schumacher, donde un Michael Douglas, aquí Darín, es victima de la ineptitud de las leyes de tránsito y el sistema, aflorando lo peor que uno lleva oculto, aunque como es Ricardo Darín, un buen actor, la violencia no es explicita, sino justificada y además dosificada a tal punto de hacernos sentir a todos, vengados.
La quinta y comenzamos a encontrar que ya estaría bueno terminarla. Además que esta historia es bien insulsa, a mi gusto solo salva la presencia de una grande como María Onetto, el resto del elenco, masculino, los habría metido a todos en una licuadora, a sabiendas que no saldría ni un vaso de jugo. 
Seis y última, esta también me gustó mucho por lo delirante y porque la protagonista es la máxima actriz, Érica Rivas. Y versa sobre la noche de celebración de los recién casados, algunos inoportunos secretos salen a la luz y Carrie o cualquier semejanza con la locura es mera coincidencia y todo puede pasar.

Digamos en verdad, que Szifrón estaba bastante corto de inspiración o será que quiso hacer un homenaje al cine de su adolescencia (como la mía) y lo disfrazo con comentarios como "la sociedad argentina no aguanta más". Otro pero que tiene RELATOS SALVAJES, es que seis historias es mucho y sobre todas si están tan marcados por la violencia, sabemos que los argentinos seguramente sintieron tras ver esta cinta, deseos de salir a la calle a expresar su inconformidad, pero sabemos que de éste lado de la cordillera, como somos más bien tibios para tomar el sartén por el mango, lo que más pasará es que escucharemos unas risas soterradas bajo la oscuridad de la sala de cine, develando nuestras perversiones.
Pese a ello, mantengo que me gustó, salvo los peros antes marcados y las historias tres y cinco. Me gustó la banda sonora, la fotografía de Javier Juliá, pulcra, de hermosos parajes argentinos. Las actuaciones, las otras cuatro delirantes historias. 
Pero para recomendarla, tendría más pudor que el editor de sinopsis y advertir: la cinta es buena, como casi todo lo argentino, pero también ultra violenta, si usted igual accede a verla, quiero decirle que es de los míos. Sólo que yo no me reía a carcajada batiente, en las escenas de violencia excesiva y maldad humana corrosiva, como el resto de los perversos habitantes de la sala de cine. Algo me queda de buena crianza.
Recomendada pero ojo, es violenta!!

SINOPSIS:
La película está estructurada en seis episodios que alternan el suspenso, la comedia y la violencia. Sus personajes se verán empujados hacia el abismo y hacia el innegable placer de perder el control, cruzando la delgada línea que separa lo civilizado de la brutalidad.

CALIFICACION: 
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FICHA TECNICA:
Título original: Relatos Salvajes, Argentina, 2014
Dirección: Damián Szifrón
Guión: Damían Szfrón
Música: Gustavo Santaolalla
Duración: 115 minutos
Fotografía: Javier Juliá
Reparto: Ricardo Darín, Darío Grandinetti, Leonardo Sbaraglia, Érica Rivas, Oscar Martínez, Rita Cortese, Julieta Zylberberg, Osmar Núñez, Nancy Duplaá, Germán de Silva, María Marull, Marcelo Pozzi, Diego Gentile, María Onetto.

10 de agosto de 2014

Gente mala del norte.


Para los que viven a mil por minuto esta película salió a paso de tortuga, para los que creemos que aquello que toma su tiempo para cuajar, al más puro estilo oriental, será el que dé el mejor resultado. Y tras una fructifera espera llega a la pantalla grande (de la Cineteca): GENTE MALA DEL NORTE. Confieso que le tengo un resquemor tremendo al cine ficción chileno, porque lamentablemente han sido más los sinsabores que las buenas experiencias, pero de la mano de Patricio Riquelme, dificilmente uno puede sufrir decepciones. Ya nos lo demostró en 1991 con su ópera prima "Un cielo lánguido y oxidado", donde la poesía corría al son de un mundo futurista cada segundo más contemporáneo.

GENTE MALA DEL NORTE, está basada en hechos reales acontecidos en 1923 en la región de Magallanes, allá por el fin del cono sur. La historia narrada voz en off, por un fotografo irlandés que llega hacer suerte y fortuna al extremo sur chileno y quien se convierte al poco andar, en el fotografo oficial del cuerpo policial, para armar visualmente un apetitoso dossier, no tan solo de la historia del lugar, sus habitantes, sino también de las escenas de los crímenes que ahí se desarrollen y así nada sutil, poder tenerlos a todos identificados. Y será justamente al son de las fotografías, quitar el alma a los inocentes, que este irlandés se convertirá en testigo de una injusticia.

Más allá de la historia que está muy bien contada y los personajes muy  buenos, realmente debo decir que hasta Juan Falcón hace bien su trabajo. Pero por esta vez quiero detenerme sobre todo, en los millones de detalles poéticos de la cinta. Desde el poético recorrido al mundo de la fotografía (¿será porque el director es fotografo tambien?), sobre todo la de aquellos tiempos, en que era tan ingenua y a la vez hermosa, delicada. Las placas de vidrio donde proyectaban el negativo para positivar, la tinta que hacía el acto de magia sobre el vidrio al hacer aparecer la imagen capturada, surgiendo del gris hasta el negro y blanco. La hermosura de ese territorio, el fotografo en altamar, mirando el futuro o simplemente el horizonte y el sol brillando sobre el mar. La escena de la sangre explotando desde las venas de Ivette. El honor y gloria a RCA Victor. Una suerte de película muda, donde la voz en off nos guía en los hechos. La maravillosa banda sonora. Esos añejos y hermosos viejos tiempos. Magallanes que imagino que es tal cual se muestra en la cinta, una Atlantida no perdida sino inteligentemente cerrada a la modernidad y sus banalidades. Pura nostalgia al pasado, que en muchos casos sigue siendo el mejor tiempo. Y las similitudes de la historia de principios de siglo XX chocan y se mezclan con la del XXI, demostrándonos que somos unos tontos humanos impedidos de aprender y cambiar.

Realmente me encantó ver esta película, supongo, en realidad estoy convencida, que no podría haber sido de otra forma, porque todo lo que crea y transforman las neuronas, sensibilidad y manos de Patricio Riquelme, tiene que ser sublime. Con todos estos toques de sensibilidad, humanidad, principios, ideología de la correcta y apropiada. Obvio que lo amo ¿como si no?
Totalmente recomendada!!

SINOPSIS:
El film nos adentra en un estremecedor y confuso crimen ocurrido en Cerro de la Cruz de Punta Arenas donde una familia completa fue asesinada en 1923 en su hogar sin motivaciones aparentes, hasta que un fotógrafo Irlandés descubre poco a poco que los inculpados del sangriento crimen, son inocentes, y que son victimas de la intolerancia y la conveniencia política local.
En la desesperación de aclarar el caso, la justicia responsabiliza con pruebas insuficientes a dos hombres que no eran de la zona. Los presuntos culpables, son llevados al paredón de fusilamiento y así se intenta cerrar pronto este crimen.

CALIFICACION:
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FICHA TECNICA:
Título original: Gente mala del norte, 2006 - 2011, Chile.
Dirección u guión: Patricio Riquelme
Categoría:Largometraje
Duración: 95 min.
Dirección de fotografía: Patricio Riquelme
Producción: Carolina Pávez
Asistente de dirección: Sandra Torres
Dirección de arte: Fernando Haro
Música: Sergio Pérez Bontes
Montaje: Alberto Ponce.
Elenco: Luis Alarcón, Juan Falcón, Giovanni Falchetti, Eugenia Comini, Holofernes Noria, Mateo Maslov, Jorge Díaz, Mario Varas, Patricio Riquelme, Edén Lautaro. 

2 de julio de 2014

BETIBÚ.


Me dicen cine argentino y salgo corriendo, me aclaran "cine argentino y además Mercedes Morán" o sea ya estoy viéndola y para colmo de suertes, un thriller. Con ustedes BETIBU
De esas cosas que ocurren cuando suceden, pasa que hace un año por estas mismas fechas frías de otoño - invierno, fui al cine a ver otro thriler, argentino, con Darín, que a pesar de los dos, resultó malísimo. En cambio ahora y sumado a que anoche éramos mis dos acompañantes y yo en la sala de cine, en los únicos horarios de 18 y 21 horas, comprenderán que esta señora película no permanecerá mucho en cartelera.

La pena es que esta vez no la pude ir a ver con mi sisterna Manucita. Que también es otra amante, amatoria del cine argentino. Pero sin decir en fin, digo entonces. Entonces ocurre que BETIBU es realmente una película buenísima, que como comentó mi querida amiga Teresa, pese a que se notaba del género "excasos recursos", quizás por eso mismo, es tan buena y con muy buenos actores. Y bueno esa desinformación tan propia de los críticos chilenos con todo lo que tenga que ver con Argentina, porque aunque lo nieguen la odian, tanto por el futbol, como porque inigualablemente hacen buen cine, porque tienen excelentes escritores, el tema es que donde yo leí la crítica no decía nada, nadita de nada y eso que el comentarista se supone que es "culto", que la cinta estaba basada en la obra homónima de Claudia Piñeiro, que obviamente el crítico no lo sabe, pero ha hecho fama y fortuna con sus muy entretenidos libros, los cuales dos, éste y Las viudas de los jueves, han sido llevados al cine. Pero bueno, será que el crítico en cuestión además de todo es misógeno, que chingue su madre y sigamos adelante.

BETIBU tiene todos los ingredientes de una cinta policial negra, es decir, hay un periodista - detective (Daniel Fanego), que cubre policial, que con el paso de los años se ha convertido en un experto, un detective de la carroña, asesinatos, sangre y demases, además que cuenta con ser argentino, es decir, una persona culta, que lee y se informa y que con los años sumados a su carrera, ha formado su propio archivo de datos. Además cuenta con su amigo "El Gato" que entre mal de Diogenes y otros, hizose de un archivo en papel, cine y video, que ya se lo quisieran varios, claro que las maneras a través de las cuales se hizo de ese material, lo tienen convertido en un paranoico de aquellos, que para ir a solicitarle algo, hay que dar santo, seña y llevar dinero. Al periodista - detective, se le suma, el que el editor del diario ha decidido sea su reemplazante, un joven que ha vuelto de las Europas, donde fue a cultivarse intelectualmente, pero nada de acción, será lento en su desempeño pero no es mala persona. Y por último, aunque es la dama, Betibú (Mercedes Morán), una escritora de literatura negra, que pese al éxito de sus novelas atraviesa un período de abandono de editorial, mientras que su antiguo amante, el actual editor del diario en cuestión, la invita a escribir una columna sobre el caso del reciente asesinato de Pedro Chazarreta, quién estaba en el ojo del huracán ya que era investigado como asesino de su esposa. De ahí en más, sin quererla ni deberla, el periodista - detective, el periodista - intelectual y la escritora harán causa común para descubrir qué fue lo que realmente pasó. Y el espectador, permanecerá atento, en silencio, a todas las pistas que la historia entregue, porque descubrirá rápidamente que pestañea podría perder algún hilo vital y quedar plop. Porque todas las piezas fueron puestas - por terceros-, con la intención de resolver el puzzle del: asesinato con indicios de venganza y pretenciones de alcanzar verdad y justicia.
Totalmente recomendada!!



SINOPSIS:

Años después de un asesinato en el country La Maravillosa, el viudo de la víctima aparece degollado en lo que se supone podría haber sido un suicidio. Pero pronto, los investigadores consideran la hipótesis de que se trate de algun tipo de justiciero que haya decidido vengar la muerte de la mujer del empresario.

CALIFICACION:
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FICHA TECNICA:
Título original: Betibú, Argentina, 2014
Dirección: Miguel Cohan
Guión: Miguel y Ana Cohan, basado en la novela homónima de Claudia Piñeiro
Género: Policial
Duración: 99 minutos 
Fotografia: Rodrigo Pulpeiro
Música:  Juan Federico Jusid
Montaje: Irene Blecua
Dirección de Arte: Mariela Rípodas
Reparto: Mercedes Morán, Daniel Fanego, Alberto Ammann, José Coronado, Gerardo Romano, Mario Pasik.

30 de junio de 2014

El mercado.

Desde que vi anunciado en Fidocs (2014), el documental sobre la hisotria de el Abastos de Argentina: EL MERCADO, quise verlo. Pese que al verlo, supe que el director no pensó jamás en hacerlo sino que fue un encargo, lo cual me desmotivó un tantín porque yo si que lo habría hecho de mil amores. Y es que sentía tantas ganas de saber "todo" sobre la historia de su construcción. Algo especial tienen las edificaciones arquitectónicas, que me atraen, además obviamente de la historia, cuando son tan majestuosas y hermosas y aunque no puedan ser apreciadas en toda su magnitud porque por frente y costado siempre toparas con algo que te impida mirar desde lo más lejos posible, pero al menos, algo podrás apreciar. Pero el asunto es que siempre he sentido que ante tanta majestuosidad y lujo en el que fueron edificadas, tienen que existir muchas historias y por menores que sean, quiero saberlas. Como hace dos años me pasó en Buenos Aires en BAFICI 2012 a ver "El Palacio Barolo", otro edificio mega impresionante, en pleno centro de la capital, construido a principios de siglo XX y con un historión de aquellos.

Y creo que con la misma alegría, amé este documental. Amé volver a recorrerlo a través de las imágenes, caminar mentalmente por Gallo, Agüero, Anchorena, Lavalle, Guardia Vieja, sus calles aledañas y el frontis por Avenida Corrientes, bajar y subir por el metro estación Carlos Gardel y finalmente rodear en panorámica y de muy cerca y desde dentro al Mercado Abasto y Provisiones. Realmente poético. Y aunque parezca añeja, cada vez me convenzó más que lo hermoso, lo realmente hermoso, delicado, majestuoso, impresionante, elegante, lujoso, arquitectónicamente merecedor de ser distinguido como tal, tuvo sus inicios, desarrollo y fin en el siglo XX y ahora estamos tan solo viviendo de sobras, migajas y susurros. Por suerte soy una afortunada, de haber nacido en áquel siglo y tener cada segundo de la vida, menos y menos que ver con la pedorra modernidad. Como dijo alguien muy retrogrado para los modernos: "todo tiempo pasado fue mejor" y eso cuenta para las personas, los objetos, qué decir la arquitectura, el cine, la música, el arte, la pintura, etc., etc., etc.,

 EL MERCADO, majestuoso y hermoso, impresionante construcción pensada solamente para negocios de venta de frutas y verduras, será de país grande, de nación próspera, de personas con miras elevadas, capaces de lanzarse en tan majesutoso proyecto. Comienza su construcción en 1893 y es inaugurado en 1933. Una preciosura y eso que ocurre cuando uno lo ve desde fuera, desde sus cuatro costados y se enamora de tanta belleza, de la piedra y su color, sus cinco arcos frontales rodeando los vitrales y además, en el del frontis (de Avenida Corrientes), esas luces que en el día traslucen los ventanales por el carrusel que gira en su  interior, caminar por sus alrededores y sentir la enormidad y uno como pequeña hormiguita. La magia termina un poco, a mi gusto, cuando ingresas a lo que se ha convertido hoy, un shoping, que en mi caso al menos cero atracción sino más bien un coro de náuseas provoca con gran facilidad y un deseo certero a mejor salir y caminar por sus alrededores, visitar las tiendas sobre Gardel, los museos de viejos y mirar por todos sus costados este hermoso edificio.

Y aunque Néstor Frenkel, haya dicho que no era un trabajo en el que había pensado, estoy segura que esa mirada, la manera de contar la historia de EL MERCADO, es todita suya y es lo que lo hace genial, entretenidisimo, interesante, con su toque personal donde no solo es la historia de la edificación, sino de los seres que pululan en su interior y exterior desde añales.
Totalmente recomendado!!



SINOPSIS:
"El mercado" propone una reflexión sobre el paso del tiempo y el uso de un espacio emblemático de Buenos Aires como el Abasto. En más de 100 años, muchas historias han pasado por la construcción central de este barrio tradicional, que funcionó como un mercado proveedor de frutas y verduras para luego convertirse en el Abasto Shopping, centro comercial de movimiento diario y constante, que se ha consolidado como uno de los más exitosos de la capital argentina.

CALIFICACION:
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FICHA TECNICA:
Título original: El mercado, 2014, Argentina
Dirección y guión: Néstor Frenkel
Fotografía: Diego Poleri
Género: Documental